Pré-História

A GUERRA DO FOGO, 1981, direção de Jean Jacques Annaud.
História romanceada da descoberta do fogo. Muito interessante pela ambientação e pelas caracterizações humanas. 125 min.

Egito

EGITO EM BUSCA DA ETERNIDADE, 1983, produção da National Geograph.
Ótima produção sobre antiga civilização egípcia e os esforços atuais para a sua recuperação e preservação. 60 min.

Grécia

ULISSES, 1955, direção Carlo Ponti.
Adaptação da Odisséia, trata de algumas história do herói Ulisses após a Guerra de Tróia. 104 min.

ELECTRA, 1962, direção Michael Cacoyannis.
Após descobrir que seu pai foi assassinado pelo amante de sua mãe, Electra planeja uma vingança. Destaque: Famosa tragédia grega baseada em peça de Eurípedes, em que Electra acaba matando a mãe com a ajuda do irmão Orestes. Irene Papas interpreta Electra – a atriz também integra o elenco de “Zorba, O Grego”, dirigido por Michael Cocayannis. Indicado ao Oscar de filme estrangeiro. Premiado no Festival de Cannes (FRA) na categoria melhor adaptação.
113 min

Roma

A QUEDA DO IMPÉRIO ROMANO, 1964, direção de Antony Mann.
Filme épico que conta, com imprecisões históricas, o início da decadência do Império Romano. 153 min.

BEN-HUR, 1959, direção Cecil B. de Mille.
Aventura épica ambientada no início da era cristã que conta as lutas de Ben-Hur para libertar Jerusalém do domínio romano, 211 min.

SPARTACUS, 1960, direção de Stanley Kubrick.
Super produção baseada no romance histórico de Howard Fast sobre a revolta de escravos liderada por Spartacus em 73 a.C. 190 min.

ASTERIX E A SURPRESA DE CÉSAR, 1984.
HQ do herói gaulês, Asterix e Obelix ingressam na Legião Romana para salvar a bela jovem e o noivo.
90 min.

GLADIADOR, 2000, direção de Ridley Scott.
Transformado em escravo pelo corrupto e incestuoso herdeiro do trono, o general romano Maximus, torna-se um gladiador. Seu poder na arena acaba por levá-lo a Roma, ao Coliseu e a um corrupto de vingança com o novo imperador. 155 min.

SATIRICON, direção Frederico Fellini.
Cenários e fotografias exeburantes contando uma história fragmentada da Roma Antiga.
129 min

Idade Média

IVANHOÉ, O VINGADOR DO REI, 1952.
O cavaleiro medieval Ivanhoé enfrenta os inimigos do Rei Ricardo Coração de Leão. 106 min.

EL CID, 1961.
História do legendário cavaleiro cristão que enfrenta os invasores mouros na Espanha. 184 min.

EM NOME DE DEUS, direção Clive Donner
Amor a primeira vista que se desdobra em adoração irreverente e inconseqüente, entre um mestre de teologia com votos de castidade e uma bela mulher erudita da aristocracia do século XII. Uma estória de amor e lealdade, paixão e desafio e uma espantosa e terrível vingança.

O NOME DA ROSA, direção Jean-Jacques Annaud, baseado no romance de Umberto Eco
O ano 1327, representantes da Ordem Franciscana e a Delegação Papal se reunem num monastério Benedictino para uma conferência. Mas a missão deles subtamente ofuscada por uma série de assassinatos. Utilizando sua brilhante capacidade de dedução o monge Franciscano Willian de Baskerville, auxiliado pelo seu noviço Adso de Melk, se emprenha para desvendar o mistério.O monastério é visitado pelo seu antigo desafeto, o Inquisidor Bernardo Gui, que está determinado a erradicar a heresia através da tortura. Mas à medida que Bernardo Gui se prepara para acender a fogueira da Inquisição, Willian e Adso voltam à biblioteca labirintesca e descobrem uma verdadeira e extraordinária. 130 min.

SENHOR DA GUERRA, 1965.
As relações de poder na Idade Média se revelam nesta história, ambientada no Norte da França, que fala sobre um cavaleiro a serviço do Duque da Normandia. 123 min.

O INCRÍVEL EXÉRCITO DE BRANCALEONE, 1965, direção de Mário Monicelli.
Ótima sátira sobre a Idade Média e cavaleiros medievais. 90 min.

O SÉTIMO SELO, 1957, Ingmar Bergman

Neste conto moral um cavaleiro medieval, de volta das Cruzadas, joga xadrez com a morte. Carregado de belas e gélidas imagens em preto e branco, derivadas dos afrescos religiosos da Idade Média.

Renascimento

AGONIA E ÊXTASE, 1965. Baseado no romance de Irving Stone.
Conta os conflitos entre o artista renascentista Michelângelo e o seu protetor, o Papa Júlio II. 140 min.

GIORDANO BRUNO, 1973.
Filme biográfico sobre um dos percursores da ciência moderna, o filósofo, astrônomo e matemático Giordano Bruno, queimado vivo pela Inquisição. Bela e real reconstituição da época. 123 min.

1492 – A CONQUISTA DO PARAÍSO, direção Ridley Scott
O filme trata das duas primeiras viagens que se tornaram um marco na vida desse almirante e nos leva a terceira a última etapa da deslumbrante aventura. Bravura cegueira, triunfo, desespero e a arrogância do Velho Mundo, em contraste à inocência do Novo Mundo, sucedem nesta ordem, uma história por poder e paixão. 150 min.

Século XVIII

BARRY LYNDON, 1975, direção Stanley Kubrick.
Belo filme que mostra a vida inglesa no século XVIII. Soldado sem escrúpulos convocado para a guerra envolve-se em diversas falcatruas e depois enfrenta uma tragédia. 183 min.

LIGAÇÕES PERIGOSAS, 1988, direção Stephen Frears
França, 1788. A Marquesa de Merteuil (Glenn Close) precisa de um favor do seu ex-amante, o Visconde de Valmont (John Malkovich), pois seu ex-marido está planejando se casar com uma jovem virgem e ela deseja que o Marquês, que é conhecido por sua vida devassa e suas conquistas amorosas, a seduza antes do dia do casamento. No entanto, ele tem outros planos, pois planeja conquistar uma bela mulher casada (Michelle Pfeiffer), que sempre se mostrou fiel ao marido e é religiosa. A Marquesa exige então uma prova escrita dos seus encontros amorosos e, se ele conseguir tal façanha, ela lhe promete como recompensa passarem uma noite juntos. Mas os jogos de sedução fogem do controle e os resultados são bem mais trágicos do que se podia imaginar
120 min

AMADEUS, 1984, direção Milos Forman
Após tentar se suicidar, Salieri (F. Murray Abraham) confessa a um padre que foi o responsável pela morte de Mozart (Tom Hulce) e relata como conheceu, conviveu e passou a odiar Mozart, que era um jovem irreverente, mas compunha como se sua música tivesse sido abençoada por Deus
158 min

Romantismo

GOYA, direção Carlos Saura
Aos 82 anos, o pintor Francisco de Goya vive no exílio com a última de suas amantes, Leocadia. Reconstruindo os principais acontecimentos de sua vida para sua filha caçula, ele se lembra dos tempos em que era jovem e ambicioso, e lutou para conquistar seu espaço na corte do rei Carlos IV, em meio a intrigas palacianas, seduções e mentiras. Lembra-se, também, de seu único amor verdadeiro, a duquesa de Alba, cuja vida foi interrompida por uma dose de veneno. Goya artista genial, que em momento algum abandonou a preocupação pelo seu país e pelo seu povo. A era de luz e cor da corte Bourbon abre caminho para o  mesmo. Goya que, aos 46 anos, ficou surdo, um fato que gerou importante reviravolta em seu trabalho. Enquanto ficava claro na Espanha que os dias de absolutismo, sob as novas pressões do Iluminismo, chegava ao fim, Goya descobre um novo mundo criativo em suas pinturas soturnas e seus chamados caprichos.

Século XX

2001 – UMA ODISSÉIA NO ESPAÇO, 1968, Stanley Kubrick Uma saga estelar e filosófica que iria influenciar toda a ficção científica produzida no futuro. E mais: que parece ter sido produzida no futuro, graças à atualidade de seu tema e de sua concepção visual. O computador falante HAL 9000 é elevado à categoria dos grandes personagens do cinema, um ser feito de chips mas triturado por dilemas existenciais.

APOCALYPSE NOW, 1979, Francis Ford Copolla O diretor rodou este épico moderno nas Filipinas, ao custo da própria saúde. Foram 40 milhões de dólares gastos com helicópteros, bombardeios napalm e um elenco em que Marlon Brando, sem cabelo, pesado, imerso nas sombras, recita T.S.Eliot. A loucura da guerra do Vietnã – e de todas as guerras -, no seu retrato mais cruel (inspirado no livro Coração das Trevas, de Joseph Conrad). Demorou cinco anos de filmagens infernais.

CIDADÃO KANE, 1941, Orson Welles O cinema se divide em antes e depois deste filme. A história do magnata da empresa Charles Foster Kane é contada pelo diretor com a câmera posicionada em ângulos inéditos, cenários desolados refletidos na profundidade dos espelhos e uma narrativa em flashbacks, distribuídas em diversos pontos de vista. Mostra que há tantas maneiras de buscar a verdade quanto esta tem de se ocultar.

1900, 1976, direção de Bernardo Bertolucci.
A história de uma rica família italiana serve para mostrar a Itália do início do século, a crise dos anos 20 e 30 e a ascensão do fascismo na Itália. 239 min.

ARQUITETURA DA DESTRUIÇÃO, direção Peter Cohen
Este filme lembra que chamar a Hitler de artista medíocre não elimina os estragos provocados pela sua estratégia de conquista universal. O veio artístico do arquiteto da destruição tinha grandes pretensões e queria dar uma dimensão absoluta à sua megalomania. Hitler queria ser o senhor do universo sem descuidar de nenhum detalha da coreografia que levava as massas à histeria coletiva a cada demonstração. O nazismo tinha como um dos seus princípios fundamentais a missão de embelezar o mundo. Nem que, para tanto, destruisse todo o mundo. 

TEMPOS MODERNOS, 1936, direção Charles Chaplin.
Obra prima do cinema mudo, durante a depressão (1929). Carlitos trabalha numa grande indústria. Chaplin procura denunciar o caráter desumano do trabalho industrial mecanizado, da tecnologia e da marginalização de setores da sociedade. 88 min.

O DISCRETO CHARME DA BURGUESIA, 1972, direção de Luis Buñuel.
Obra prima surrelista extremamente crítica. Seis burgueses se reúnem para jantar, mas são impedidos por acontecimentos espantosos. 105 min.

BASQUIAT – TRAÇOS DE UMA VIDA, 1996, direção Julian Schnabel.
Filho de pai haitiano e mãe porto-riquenha, Basquiat revela seu talento como grafiteiro. É assediado por marchands, até cair nas graças do pai da Pop-Art, Andy Warhol.

OS AMORES DE PICASSO, 1996, direção James Ivory.
Conta a vida de Picasso sob a ótica de uma de suas muitas mulheres. 123 min.

NÓS QUE AQUI ESTAMOS POR VÓS ESPERAMOS, 1999, direção Marcelo Masagão
País de Origem: Brasil. Duração: 73min  Sob a trilha sonora primorosa de Wim Mertens, a dualidade criação-destruição e a banalização da morte no decorrer do século mais violento da história percorrem um mosaico de centenas de imagens de arquivo extraídas de reportagens de TV, fotos antigas, filmes e clássicos do cinema. O instinto de destruição que fascinou Freud é o fio condutor de uma montagem que funde imagens a palavras, fatos históricos a uma ficção deslavada, que inventa nomes e vivências para os indivíduos sem nome que também fizeram a história. Este filme conduz o olhar pelos contrastes do século, pelos artistas, pensadores e indivíduos anônimos que construíram sua riqueza, e pelos personagens sombrios que reproduziram sua miséria. As únicas cenas captadas pelo diretor são realizadas em um cemitério, cuja inscrição do pórtico dá nome ao filme e encerra sua essência: a mortalidade como condição esquecida nos desvãos da história.

ENCOURAÇADO POTEMKIN, direção Sergei Eisenstein
Cineasta soviético, dirigiu filmes que retratam as transformações políticas e sociais ocorridas na Rússia após a Revolução de 1917. O filme se passa na Rússia. Um poderoso navio de guerra, o couraçado Potemkin, da frota do czar Nicolau II, é o palco de uma rebelião que fará parte da história. Cansados de comer carne podre, sofrerem castigos físicos e não terem direito a nada, os marinheiros revoltaram-se contra os oficiais e assumiram o controle da embarcação, unindo-se à rebelião dos operários e soldados, que em terra firme lutavam pelo ideal socialista. Este filme de Eisenstein, realizado em 1925, é uma metáfora da própria Revolução Russa, e por muito tempo foi cultuada nos círculos de esquerda. Sua riqueza técnica revolucionou a linguagem do cinema. Uma seqüência antológica é aquela em que os soldados avançam para conter a multidão, e um disparo atinge uma jovem mãe, que segurava um carrinho de bebê; a mulher cai, morta, e o carrinho avança, desgovernado, pelos degraus de uma longa escadaria, rumo à morte. Esta cena foi citada em “Os Intocáveis” (1986), de Brian DePalma. Uma curiosidade: a pronúncia correta do termo Potemkin, em russo, é “Potiônkin”.

FESTA DE BABETE, 1988, direção Gabriel Axel
Dá lições em várias formas da Arte.

MORTE EM VENEZA, 1971, direção Luchino Visconti
Com música de Mahler e perfeita recriação de época. Às vésperas da Primeira Guerra Mundial, o famoso compositor Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde) passa as férias de verão na praia do Lido, em Veneza. O ambiente aristocrático e decadente vira palco de um acontecimento inesperado e trágico quando ele conhece o adolescente Tadzio (Björn Andrésen). O compositor acredita ter encontrado a imagem perfeita da beleza e se apaixona, num processo doloroso que o leva a rever sua vida. Adaptação da obra homônima de Thomas Mann, o maior escritor alemão do século 20.
131 min

SEDE DE VIVER, 1956, direção Vincent Minneli
Um adaptação brilhante da biografia Vincent Van Gogh (Kirk Douglas) escrita por Irving Stone. Van Gogh é o arquétipo do gênio artístico atormentado, cuja magnificência da obra contrasta com uma existência infeliz e amargurada que haveria de conduzi-lo ao suicídio. Anthony Quinn ganhou o Oscar pela sua interpretação de Paul Gauguin, outro génio da pintura amigo de Van Gogh.
Duração: 122 minutos

CAMILLE CLAUDEL, 1988, direção Bruno Nuytten
Com Isabelle Adjani e Gérard Depardieu. Grande reflexão sobre o poder devastador da arte perante a fragilidade humana. A escultora Camille, irmã do poeta Paul Claudel, possui um relacionamento de 15 anos com Rodin, primeiramente seu professor e mais tarde seu amante. Camille passa por muitos sofrimentos, que a levam à loucura. Um filme muito interessante se atentarmos para o machismo existente na personalidade de Rodin

ÉPOCA DA INOCÊNCIA, 1993, direção Martin Scorsese
Nesta adaptação do romance homônimo de Edith Wharton, escritora premiada com o Pulitzer, Scorsese experimenta o drama romântico e retrata a Nova York de 1870 e a sociedade de então, marcada pela nobreza de costumes ingleses. Um advogado (Daniel Day-Lewis) está de casamento marcado com uma jovem (Winona Ryder) da aristocracia local, quando uma condessa (Michelle Pfeiffer), prima de sua noiva, volta da Europa após separar-se do marido. As idéias dela chocam a tradicional sociedade americana e, ao tentar defendê-la, o advogado se apaixona por ela e é correspondido.
130 min

LIMITE, 1931, direção Mário Peixoto
Música: Satie, Debussy, Borodin, Ravel, Stravinski, Cesar Franck, Villa Lobos, Prokofiev. Três personagens, um homem e duas mulheres estão num barco, em alto mar. Esgotados, param de remar, abandonando-se à própria sorte e relembram o passado. As cenas revolucionárias são motivo de estudo por parte de diretores nacionais e internacionais.
110 min

THE WALL, 1982, direção Alan Parker
As fantasias delirantes de um superstar do rock, que enlouquece lentamente em um quarto de hotel. Retrata a geração Pós-Segunda Guerra, com alguns desenhos animados no meio do filme.
95 min

MEU TIO, 1958, direção Jacques Tati
O filme é uma crítica de Jacques Tati ao excesso de preocupação com bens materiais. Mousieur Hulot se atrapalha com o futurismo exagerado da casa do cunhado, mas conquista o sobrinho com seu estilo desligado e simples. Retrata de forma leve a geração do Pós-Segunda Guerra.
126 min

BILLY ELIOT, 2000, direção Stephen Daldry
Billy Elliot (Jamie Bell) é um garoto de 11 anos que vive numa pequena cidade da Inglaterra, onde o principal meio de sustento são as minas da cidade. Obrigado pelo pai a treinar boxe, Billy fica fascinado com a magia do balé, ao qual tem contato através de aulas de dança clássica que são realizadas na mesma academia onde pratica boxe. Incentivado pela professora de balé (Julie Walters), que vê em Billy um talento nato para a dança, ele resolve então pendurar as luvas de boxe e se dedicar de corpo e alma à dança, mesmo tendo que enfrentar a contrariedade de seu irmão e seu pai à sua nova atividade.
111 min

CARMEM, 1983, direção Carlos Saura
Antonio busca desesperadamente aquela que poderá ser a ‘Carmen’ do balé tirado da novela de Merimée e da Ópera de Bizet. O relacionamento com o grupo de Antonio é difícil para a jovem Carmen, mais por causa de Cristina, que sonha com aquele papel. Antonio explica-lhe que a personagem pedia uma mulher mais jovem e ainda mais bela do que ela, ainda que Cristina seja a melhor bailarina. Carmen é muito bonita e atraente e conquistará Antonio nesta ficção do balé que se desenrolará entremeada com a história de amor na vida real.
108 min

TANGO, 1998, direção Carlos Saura
Musical e documentário do veterano cineasta espanhol Carlos Saura, na mesma linha de ‘Sevillanas’ (1992) e ‘Flamenco’ (1995). Depois de ser abandonado pela mulher (Cecilia Narova), o cineasta argentino Mario Suarez (Miguel Ángel Sola) ‘mergulha’ na produção de um filme na periferia de Buenos Aires. Planeja rodar o filme ‘definitivo’ sobre o gênero. As dificuldades surgem quando ele se envolve com uma dançarina do elenco e quando tenta introduzir temas políticos. A trilha com o tango ‘clássico’ é mesclada com a música de Lalo Schifrin. A bela fotografia é de Vittorio Storaro, um dos maiores fotógrafos em atividade, antigo colaborador de Francis Ford Coppola e Bernardo Bertolucci.
105 min

QUEM TEM MEDO DE VIRGINIA WOLF, 1996, direção Mike Nichols
George (Richard Burton), um professor universitário, e Martha (Elizabeth Taylor), sua esposa que é também filha do reitor, recebem no final da noite Nick (George Segal), um jovem professor, e Honey (Sandy Dennis), sua mulher. À medida que a noite avança, as confissões entre os quatro se tornam mais ácidas e a verdade se torna algo muito deprimente.
129 min

SONATA DE OUTONO, 1978, direção Ingmar Bergman
Ingrid Bergman interpreta uma mãe que depois de abandonar sua família pela carreira musical, tenta uma reconciliação com sua filha mais velha (Liv Ullman), numa noite de revelações dolorosas. O gênio da fotografia, Sven Nykvist, abrilhantou mais este belo filme sobre abnegação da alma humana; onde temos os dois ícones do cinema sueco, pela única vez juntos – “Ingrid Bergman e Ingmar”. Obra-prima histórica e maravilhosa.
92 min

BLADE RUNNER, 1982, direção Ridley Scott
O “cult movie” da ficção científica, ficou ainda mais fantástico mostrando uma chocante visão do futuro. Por volta do ano 2000, o planeta Terra está em total decadência. Os poucos habitantes vivem aglomerados em gigantescos arranha-céus.A engenharia genética se tornou uma das maiores indústrias criando os replicantes, criaturas dotadas de extraordinária força e inteligência, praticamente indistinguíveis dos humanos. Nesta nova versão, surpreendentes revelações em torno do romance entre Deckard (Harrison Ford) e Rachel (Sean Young). Qual será a verdadeira origem do Caçador de Andróides?
117 min

O NASCIMENTO DE UMA NAÇÃO, 1915, direção D.W.Griffitch Um dos maiores épicos da história do cinema e o primeiro longa-metragem americano. As batalhas da Guerra Civil ainda impressionam pelo realismo, com a orquestração magistral de uma multidão de figurantes. A Ku Klu Klan é glorificada de tal forma que dificultou a exibição de filme na televisão e no cinema nos anos subseqüentes. Mas Griffitch libertou a câmera de seus grilhões, inventando a nova linguagem de uma nova arte.

A VIDA É BELA, 1997, direção Roberto Benigni
Na Itália dos anos 40, Guido (Roberto Benigni) é levado para um campo de concentração nazista e tem que usar sua imaginação para fazer seu pequeno filho acreditar que estão participando de uma grande brincadeira, com o intuito de protegê-lo do terror e da violência que os cercam.

Brasil

CENTRAL DO BRASIL, 1998, direção Walter Salles Jr.
Mulher, que escreve cartas para analfabetos na Central do Brasil, ajuda menino, após sua mãe ser atropelada, a tentar encontrar o pai que nunca conheceu, no interior do Nordeste. Prêmio de Melhor Atriz e Melhor Filme no Festival de Berlim e vencedor do Globo do Ouro de Melhor Filme Estrangeiro. 112 min.

TIRADENTES, direção Geraldo Vietri
A trajetória de Joaquim da Silva Xavier, o Tiradentes, na luta contra os colonizadores portugueses, a Inconfidência Mineira e o enforcamento do homem que assumiu a liderança de um dos mais importantes movimentos libertários do Brasil.

INDEPENDÊNCIA OU MORTE, direção Carlos Coimbra
As circunstâncias que levaram D. Pedro I a proclamar a independência do Brasil, as intrigas palacianas e o escândalo causado pela paixão do imperador por uma mulher do povo.

DESCOBRIMENTO DO BRASIL, direção Humberto Mauro
A carta de Pero Vaz de Caminha serve como pano de fundo para a narrativa de viagem de Pedro Álvares Cabral, do Tejo ao Brasil, culminando com a realização da primeira missa no Novo Mundo.

POLICARPO QUARESMA – HERÓI DO BRASIL, direção Paulo Thiago
No Rio da virada do século, major visionário e idealista luta para implementar mirabolantes idéias, que ele acredita serem capazes de criar uma grande nação. Adaptação do clássico “O Triste Fim de Policarpo Quaresma”, de Lima Barreto.

LAMARCA, direção Sérgio Rezende
Crônica dos últimos dois anos na vida do capitão do exército que, nos anos de ditadura, desertou das forças armadas, e passou a fazer oposição tornando-se um dos mais destacados líderes da luta armada.

PRA FRENTE BRASIL, direção Roberto Farias
Pacato cidadão de classe média é confundido com um ativista político, preso, e torturado por agentes federais durante a euforia do milagre econômico brasileiro e da Copa do Mundo de 70, Prêmio de Melhor Filme no Festival de Gramado.

CARLOTA JOAQUINA, direção Carla Camuratti
Aos 10 anos, a infanta espanhola Carlota Joaquina é prometida a D. João VI de Portugal. É o início de uma trajetória de brigas, infidelidade e rusgas pelo poder, que levam o casal, após herdar o trono, ao Brasil, para fugir do avanço das tropas napoleônicas.

O QUATRILHO, direção Walter Salles Jr.
A saga da imigração italiana no Sul do Brasil, entre 1910 e 1930, na história de dois casais, Ângelo e Teresa e Pierina e Massimo. A tradição de valores são rompidos quando Pierina e Ângelo se apaixonam e fogem, deixando tudo para trás. Baseado no romance de José Clemente Pozenato. Indicado para o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro.

O PAGADOR DE PROMESSAS, direção Anselmo Duarte
Zé do Burro (Leonardo Villar) e sua mulher Rosa (Glória Menezes) vivem em uma pequena propriedade a 42 quilômetros de Salvador. Um dia, o burro de estimação de Zé é atingido por um raio e ele acaba indo a um terreiro de candomblé, onde faz uma promessa a Santa Bárbara para salvar o animal. Com o restabelecimento do bicho, Zé põe-se a cumprir a promessa e doa metade de seu sítio, para depois começar uma caminhada rumo a Salvador, carregando nas costas uma imensa cruz de madeira. Mas a via crucis de Zé ainda se torna mais angustiante ao ver sua mulher se engraçar com oc afetão Bonitão (Geraldo Del Rey) e ao encontrar a resistência ferrenha do padre Olavo (Dionísio Azevedo) a negar-lhe a entrada em sua igreja, pela razão de Zé haver feito sua promessa em um terreiro de macumba.

Ferreira Gullar

Minha posição crítica em face de determinadas manifestações da arte contemporânea pode às vezes levar algumas pessoas a pensar que tenho uma atitude aprioristicamente contrária a qualquer experiência nova em arte. Nada mais distante do que efetivamente penso. Por isso mesmo, aproveito a oportunidade para deixar clara minha visão com respeito a essas questões.

O primeiro ponto a esclarecer é meu juízo acerca das vanguardas estéticas. Trata-se de um fenômeno específico do século XX, que não pode ser confundido com a busca de renovação estética, pois esta está presente em toda a história da arte. Noutras palavras, não é necessário haver movimentos de vanguarda para que os artistas criem obras de alto valor e para que a arte se renove.

A identificação equivocada entre a vanguarda e a criação artística conduz muitas vezes a se perder de vista o fato de que, por exemplo, os quadros cubistas de Braque e Picasso são, muitas vezes, obras de alto valor não por serem cubistas, mas por suas qualidades estéticas intrínsecas. Isto não significa que os movimentos de vanguarda não tiveram importância e, sim, que sua importância deriva das idéias fecundadoras que veicularam e, sobretudo, das obras que produziram. Ao longo do século XX surgiram centenas de movimentos de vanguarda no mundo inteiro, a maioria dos quais manifestações inócuas e pretensiosas, de que sobraram apenas os manifestos, quando sobraram.

Esse ponto é relevante porque está intimamente ligado à outra questão, que também provoca incompreensão quando se discute a arte de hoje. É a questão do novo. Essa questão não pode ser separada da própria criação artística, uma vez que nenhum artista se dispõe a pintar um quadro se ele nada contém de novo. Seja tematicamente, seja estilisticamente, o quadro a ser pintado deve acrescentar algo à obra anterior do artista. Isso, aliás, é o que distingue o artista do artesão: esse tende simplesmente a se valer de seus recursos técnicos para reproduzir o mesmo objeto, seja cadeira, moringa ou lamparina, enquanto aquele tem a necessidade de “criar”, isto é, fazer uma coisa nova.

Essa necessidade varia de artista para artista, em função de sua personalidade, de seu talento, de sua necessidade e capacidade maior ou menor de inovar. Picasso é o exemplo do artista inquieto e criativo, cuja trajetória foi um permanente reinventar da própria pintura. Já Giorgio Morandi situa-se no pólo oposto, a explorar durante décadas uma mesma temática e um mesmo caminho estilístico. Pode-se por isso dizer que Picasso é criador e Morandi não? Pode-se dizer que os quadros de Morandi são a repetição de um mesmo quadro, destituídos, portanto, de criatividade? Claro que não. O novo na arte não tem que ser sempre um escândalo ou uma ruptura; pode ser – e na maioria das vezes é – o resultado de sutil exploração e aprofundamento temático e estilístico.

Não obstante, a exigência do novo explícito tornou-se um fator decisivo na produção e na avaliação da arte contemporânea. Trata-se de um fenômeno decorrente dos movimentos de vanguarda que, como o próprio nome está dizendo, apresentavam-se como a última palavra em arte, a expressão da própria vida moderna, sendo o mais considerado “passadismo”, velharia, coisa superada.

Essas idéias foram introduzidas, na verdade, pelo futurismo e, especialmente, por Marinetti, que pregava a necessidade de a arte expressar a vida contemporânea, a cidade industrial, enfim, o futuro. Fundou-se assim o preconceito do novo, a busca em arte do novo pelo novo, responsável em grande parte pelo rumo que tomou a arte do século passado e a autofagia que a caracterizou.

Como se pode concluir do que foi dito, deu-se uma inversão de valores no âmbito da avaliação e mesmo da concepção artística, já que a obra deixou de impor-se pelas qualidades estéticas, por sua execução, por sua complexidade, pela adequação de forma e conteúdo, para valer apenas pelo que trazia de “novo” e que, na maioria das vezes, limitava-se à busca deliberada do extravagante ou do diferente. Não é difícil adivinhar que tal concepção conduziria fatalmente à desintegração das linguagens artísticas e a um vale-tudo que eliminava qualquer avaliação objetiva.

Esse não foi um processo linear e sem contradições. Se é verdade que o cubismo inverteu a relação natureza-arte, que de uma maneira ou de outra foi determinante na arte ocidental, o neoplasticismo, que dele derivou, reintroduziu a natureza na pintura em termos dos ritmos horizontal e vertical; se o futurismo quis expressar a velocidade da vida moderna, o suprematismo, que nele se inspirou, propôs um caminho metafísico que pretendia expressar “a sensibilidade da ausência do objeto”. No mesmo momento histórico, na mesma Rússia pré-revolucionária, Tatlin criava seus contra-relevos, precursores do não-objeto neoconcreto dos anos 60. Por outro lado, o expressionismo alemão, exacerbando a expressão subjetiva, contribuiu para a futura dissolução da forma na pasta pictórica da pintura informal. Enquanto isso, fiel ao radicalismo niilista do dadaísmo, Duchamp propõe o caminho da antiarte, ou seja, do impasse, que ele próprio viveu e pagou o preço.

De todo esse processo resultou uma enorme ampliação da experiência estética do homem e, ao mesmo tempo, uma situação-limite, que pôs em questão todos os valores estéticos. Para os artistas que aderiram a esse caminho, a pintura, a escultura e a gravura acabaram, enfim, o que até aqui se chamou de arte, morreu. Em seu lugar pretendem pôr a antiarte duchampiana que se limita a algumas boutades – os ready-made – e apenas duas obras significativas, ambas inacabadas: Grande Vidro e Étant donnés.

No meu entender, essa é a posição de quem acredita no determinismo de um suposto evolucionismo artístico. Não acredito nisso. A pintura, a gravura, a escultura estarão vivas sempre que haja pintores, gravadores e escultores talentosos para realizá-las. A linha duchampiana – ou arte conceitual – é a meu ver uma tendência agonizante, que se mantém graças a fatores alheios à verdadeira criação artística. De qualquer modo, é uma forma de expressão que, por não se fundar no domínio de uma linguagem, é fruto de constante improviso, fora portanto de qualquer apreciação crítica.

O crescimento do modo de produção industrial em detrimento do artesanal está na origem das profundas mudanças ocorridas na arte, a partir de começos do século XX. Como se sabe, a revolução industrial, deflagrada de modo decisivo nas primeiras décadas do século XIX, provocou um choque entre as potencialidades do novo modo de produção em série e o procedimento artesanal, criador de obras individualizadas e únicas. Assim foi que, de repente, as colunas gregas do estilo revival passaram a ser imitadas e multiplicadas pela máquina. O movimento Arts and Crafts, criado pelo inglês William Morris, foi uma tentativa de defender a sobrevivência do artesanato e da própria arte, nele fundada, que a indústria parecia condenar à morte. Mas nada conseguiu deter o curso modernizador da tecnologia, que se refletiu sobre o pensamento e as atividades dos artistas.

Para melhor compreensão deste processo, voltemos um pouco atrás, quando o rigor neoclássico e as fórmulas acadêmicas, que ele gerou dominavam a produção artística. Enquanto este estilo parecia apagar, na tela, os vestígios do trabalho manual do artista, o Impressionismo, que surge em plena revolução industrial, faz questão de exibi-lo, pela realização inacabada, pelas pinceladas deixadas à mostra. Esse fato, que parece contradizer a impessoalidade da “linguagem” industrial, revela-se, de fato, o caminho para aprofundar a crise da pintura como expressão artesanal.

A primeira manifestação explícita da ruptura se dá no cubismo, quando Picasso e Braque passaram a colar na tela pedaços de jornal e de papel de parede, em substituição a imagens ou texturas tradicionalmente feitas a pincel pelo próprio pintor. Estava implícita, neste gesto, a afirmação de que o quadro não tinha que ser obrigatoriamente produto do trabalho artesanal. Desses papiers collés, os cubistas passaram à utilização, em suas telas, de pregos, barbantes, metal, areia. Se é verdade que tudo isso ainda era feito a mão, punha no entanto de lado o artesanato específico da pintura.

É certo que, no começo, sem ter ainda criado sua própria linguagem, a indústria se valeu das formas criadas pelos artesãos e artistas, pondo colunas dóricas em máquinas de tecelagem e na fachada dos primeiros arranha-céus. Mas, depois, ela definiu sua linguagem que deveria caracterizar-se por formas limpas:cilíndricas, cúbicas, esféricas, etc. Isto tem a ver com o cubismo e particularmente com o neoplasticismo de Mondrian, que avança na direção da impessoalidade, da racionalidade e da simplificação. A conseqüência desta opção estética será o construtivismo, de Pevsner e Gabo, surgido na Rússia em 1917-18, movimento que já proclama abertamente sua adesão aos procedimentos tecnológicos e ao uso de materiais criados pela indústria.

Este processo é, claro está, dialético, contraditório. A pintura futurista exalta a máquina mas se vale exclusivamente da técnica artesanal, quase tanto quanto o Expressionismo, que odeia a máquina e quer resgatar as técnicas artísticas mais rudes, como a xilogravura. Como se vê, a defesa do artesanato coincide com o retorno às fontes primitivas da expressão, à vida selvagem e ao irracionalismo, que não tinham lugar no mundo moderno, urbano e tecnológico. Não obstante, todos esses movimentos artísticos eram “modernos”, mesmo os que se opunham ao mundo novo surgido do progresso técnico e da industrialização.

Houve um fato aparentemente sem importância, a que nenhuma história da arte atual ou crítico faz referência, e a que aludi em meu livro Argumentação contra a morte da arte (Editora Revan, Rio, 1992). Trata-se de uma visita feita por Marcel Duchamp, Brancusi e Fernand Léger a uma exposição da Marinha, em Paris, em 1906. O episódio, revelado por Léger numa entrevista, é o seguinte: os três se deparam com uma enorme hélice de navio, fundida em bronze, que os deixa admirados. Então, Duchamp pergunta a Brancusi se ele era capaz de fazer uma “escultura” igual àquela, e o escultor responde que não. Em seguida, Léger e Brancusi se afastaram mas Duchamp permaneceu encantado diante da hélice. Estaria neste episódio a origem do read made? Tendo a crer que sim, pois ali, pela primeira vez, revelava-se a Duchamp a possibilidade de uma forma nova e expressiva, realizada sem propósito artístico e sem qualquer intervenção manual. O read made é a expressão irônica da crise do artesanato; a arte com um não-fazer.

Mas, como toda boutade, o read made não é solução para um problema que envolve a natureza mesma da criação artística. Na verdade, na arte, o trabalho artesanal é fundador e criador de significados e não, como na atividade manual comum, executor de atos e formas por assim dizer “rotineiros”. No plano da produção de objetos utilitários, a eliminação do trabalho artesanal leva à perda, pelo artesão, do seu instrumento de trabalho e a conseqüente alienação do produto, que deixa de lhe pertencer, já no plano artístico, o resultado é a pura e simples morte da arte (estamos nos referindo às artes plásticas). Esta é a razão por que, desde que foi deflagrada a crise, as diferentes e sucessivas tendências artísticas que tomaram o apelido de “vanguardas” tiveram sempre, como epicentro, a questão do fazer, ora como expressão da racionalidade ora como rejeição de qualquer controle objetivo, como nos casos do tachismo e da action painting de Pollock. A opção duchampiana, especialmente as “apropriações”, terminou por influir decisivamente no rumo adotado pelos artistas que se intitulam “conceituais” e que, como esta designação indica, descartam o papel fundamental do fazer.

Outra propriedade da obra de arte é seu caráter de objeto único (ao contrário do produto industrial, que não tem original) a qual, como diz Giulio Carlo Argan, “tem o máximo de qualidade e o mínimo de quantidade”. Por isso também, a obra de arte é o lugar não apenas do fazer estético mas também do fazer ético. Esses valores são constitutivos de um universo cultural (e portanto humano) que, com a morte da arte, se perderiam para sempre.

Ferreira Gullar é poeta e crítico.

Exposição Mary Vieira

Está em cartaz no Centro Cultural Banco do Brasil de São Paulo a exposição Mary Vieira – O Tempo do Movimento. É a primeira vez no país que a obra da artista é reunida em um conjunto significativo de esculturas, serigrafias, maquetes e fotografias, de modo a traçar o percurso estético de Mary Vieira (1927-2001) desde o início de seu trabalho, no final dos anos 1940, ainda no Brasil, até sua morte, na Europa. “Sua coerência, precisão e abrangência do pensamento estético nunca foram mostradas integralmente no seu país de origem. A mostra é a oportunidade de resgatar esta artista internacional que, segundo (o também artista) Markus Kütter, ‘sempre carregou sua origem brasileira como um manto em volta de si”, pondera a curadora do evento, Denise Mattar.

O evento, que contou com a consultoria do Istituto Internazionale Studi sul Futurismo (ISISUF), tem com objetivo resgatar um pouco do trabalho dessa artista que é considerada um dos maiores nomes da arte cinética no mundo. “Há algum tempo, venho desenvolvendo um trabalho de curadoria que busca dar visibilidade de grandes nomes que hoje estão esquecidos. No país, além da falta de patrocínio e incentivo às artes, ainda temos de lidar com a memória curta do brasileiro”, diz Mattar.

A exposição traz peças de coleções suíças, do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro – Coleção Gilberto Chateaubriand; Museu de Arte Brasileira da Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP); Museu de Arte Moderna de São Paulo; e do Arquivo Belloli-Vieira, instituto que realiza pesquisas, avaliação e autenticação do trabalho da artista. Em comum, a maior parte das obras traz para o centro da discussão a questão das possibilidades de relação entre peça e público. “Existe uma palavra que eu gostaria de ressaltar: interatividade. Ao mesmo tempo em que este é um dos objetivos do CCBB com a comunidade, é também a marca de Mary Vieira”, diz o gerente-executivo de marketing institucional do Banco do Brasil, Carlos Netto.

As obras estão dispostas no segundo e no terceiro andar, e no subsolo do CCBB. No hall há a projeção de um filme de Rubens Richter sobre o Polivolume: Ponto de Encontro, monumento localizado no Palácio Itamaraty, em Brasília. No segundo andar estão as esculturas, as quais exploram as inúmeras possibilidades de mutação da forma e da luz, em um diálogo constante com os visitantes. No local, monitores disponibilizam luvas de borracha para que o visitante possa interagir com algumas peças, recriando e remodelando-as a sua maneira. Já obras como Tempos de um movimento: luz-espaço a + b, de 1955, por exemplo, apresentam as possibilidades plásticas da reta e da curva, e traduz o período em que Vieira teve uma troca intensa tanto no plano particular quanto no artístico-intelectual com o artista italiano Carlo Belloli, que viria a se tornar seu marido.

O terceiro andar foi reservado para uma seleção das obras monumentais, aqui representadas por projeções, backlights e maquetes. A artista destacou-se pelo seu domínio estético em espaços públicos na Europa e no Brasil, como na escultura de quatro metros de altura Polivolume: Conexão Livre (1953), feita em homenagem a Pedro de Toledo e hoje situada no Parque do Ibirapuera (SP). Nesse andar também é apresentado um filme realizado especialmente para esta exposição, dirigido por Virginie Otth e Adrien Cater. A película fala sobre a obra Polivolume: Função de Forças Opostas (1975), localizado no interior do Instituto de Anatomia Patológica da Faculdade de Medicina da Universidade de Basiléia (Suíça). Um documentário feito em 1967 pela televisão Suíça, no qual a artista discorre sobre seu trabalho e sua visão da arte, é a outra atração.

O subsolo acomoda as obras de arte aplicadas e um panorama sobre sua experiência acadêmica e teórica. Em uma grande cronologia, estão reunidos fatos biográficos, informações sobre obras, trechos de entrevistas e declarações de críticos sobre o trabalho da brasileira.

De Minas para o mundo

Mary Vieira nasceu em São Paulo e foi criada em Minas Gerais. Seus primeiros estudos em artes foram com pintor Alberto da Veiga Guignard, em Belo Horizonte. Em 1947, expôs no Salão dos Jovens Artistas Brasileiros, e, um ano depois, realizou as primeiras maquetes de uma obra dinâmica, a qual incitava a participação do público.

Na 1ª Bienal de São Paulo, em 1951, teve uma agradável surpresa ao se deparar com a obra Unidade Tripartida, do suíço Max Bill (1908-1994). “Quando comecei, o meu ambiente não me deu parâmetros para medir o valor ou o desvalor das formas livres. Estava decidida a ir para a Europa: lá pretendia procurar pessoas em cuja vida e trabalho poderia me certificar em que pé estaria na minha busca de formas novas. Mas meu trabalho foi poupado de forma completamente inesperada. Na exposição, vi as obras que mostravam de uma forma finalizada, aquilo que eu estava tentando”, conta em entrevista que deu já em Zurique, em 1954.

No mesmo ano em que conheceu Bill, estabeleceu-se na Europa e foi acolhida pelo grupo dos concretistas suíços. “A historiografia comete um erro muito comum em relação à Mary Vieira. Normalmente, diz-se que ela foi como estudante para a Suíça. Isso não é verdade: ela já foi pronta. Mary foi recebida como uma jovem e promissora artista, como uma igual”, diz Mattar. Uma prova disso é que já em 1953, a artista recebeu o Prêmio Escultor Brasileiro do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, na 2ª Bienal de São Paulo. Em 1957, casou-se com Belloli, com quem viveu e trabalhou entre a Suíça, a Itália e o Brasil.

Hoje, muitas de suas obras estão situadas em locais públicos no Brasil, como na Praça Rio Branco, em Belo Horizonte, e no Ministério das Relações Exteriores, em Brasília; e no exterior, como na Biblioteca da Universidade da Basiléia e no Parque Seefeldquai, ambos na Suíça. Além de esculturas, Mary Vieira também desenvolveu projetos como urbanista, designer gráfica e professora da Kunstgewerbeschülle, na Basiléia.

Por Luciana Tie

Mary Vieira – O Tempo do Movimento

CCBB São Paulo

De 29 de janeiro a 27 de março

Entrada franca

Rua Álvares Penteado 112. Centro

Tel: (11) 3113-3651

E-mail: ccbbsp@bb.com.br

O movimento cubista começou em 1907 e terminou em 1914, apesar de ter persistido ainda quando os artistas envolvidos abandonaram-no. Seus principais focos de resistência foram as artes decorativas e arquitetura do século XX. Apesar de ser considerado um ato de percepção individual, o movimento possuía coerência. Era inspirado na arte africana (sua “racionalidade”) e no princípio de “realização do motivo” de Cézanne. A geometrização das figuras resultam numa arte intuitiva e abstrata, derivada da “experiência visual “. Baseia-se essencialmente na luz e na sombra. Rompe com o conceito de arte como imitação da natureza (que vinha desde a Renascença), bem como com as noções da pintura tradicional, como a perspectiva. Pablo Picasso definiu-a como “uma arte que trata primordialmente de formas, e quando uma forma é realizada, ela aí está para viver sua própria vida”. Apesar da identificação imediata do cubismo às figuras de Pablo Picasso e Georges Braque, vários outros artistas deram grandes contribuições individuais ao movimento. Entre eles, destacam-se, Guillaume Apollinaire, Fernand Léger , Max Jacob, Robert Delaunay , Picabia, Gertrude e Leo Stein, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Juan Gris e os irmãos Jacques Villon, Duchamp -Villon e Marcel Duchamp, entre outros. O mexicano Diego Rivera (1886 – 1957) e o holandês Piet Mondrian (1872 – 1944) também tiveram contato com o movimento. Entretanto, devido ao enorme número de artistas que aderiram ao estilo, havia grandes diferenças pessoais estilísticas. “Casas e Árvores”, de Georges Braque, com suas formas geométricas e perspectiva própria, pode ser considerada a obra de origem do movimento. O cubismo costuma ser dividido em fase analítica – desenvolvida por Picasso e Braque entre 1909 e 1912 – e fase sintética (a partir de 1912). Entretanto, esses termos não são considerados adequados, uma vez que tentam, baseados em conceitos falhos, estabelecer grandes diferenças estéticas dentro de um estilo em processo de definição e evolução. “O Jogador de Cartas” e “Retrato de Ambroise Vollard” de Pablo Picasso; “Moça com Guitarra” e “Cabeça de Moça”, de Georges Braque; “Paisagem”, de Jean Metzinger; “Garrafa e Copo”, de Juan Gris; “Cidade” e “Soldado com Cachimbo”, de Fernand Léger e “Janela”, de Robert Delaunay, podem ser considerados bom exemplos dos diferentes estilos presentes no movimento. A escultura cubista, cujos principais nomes formam Brancusi, Gonzalez, Archipenko, Lipchitz, Duchamp-Villon e Henri Laurens, desenvolveu-se separadamente da pintura, apesar do intercâmbio inicial de idéias-chave. Entre os escultores, Duchamp-Villon, merece ser citado. É considerado um dos primeiros escultores cubistas e realizou uma tentativa de conceituação da escultura cubista, relacionando-a à arquitetura. A peça em bronze “O Cavalo”, com seu efeito dinâmico, é um bom exemplo de sua obra. O fim do movimento cubista (mas não o término de sua influência sobre a arte, tampouco o fim do próprio cubismo), deve-se à eclosão da Primeira Guerra Mundial, em agosto de 1914, com o recrutamento de boa parte dos artistas do movimento. Por suas características abstratas, foi bastante adaptável, inspirando movimentos como o futurismo, o orfismo, o purismo e o vorticismo.

Autoria: Daniela Cantalino

O futurismo foi um movimento fundado pelo poeta italiano Filippo Tomasso Marinetti, que redigiu um manifesto e tentou espalhá-lo em 1909. Nesse manifesto, já proclamava o fim da arte passada e a ode à arte do futuro (futurismo, daí o nome do movimento). Com implicações políticas, buscava tornar a Itália livre do peso de sua história e inserí-la no mundo moderno. Ao poeta juntaram-se outros artistas – principalmente poetas e pintores – como Umberto Boccioni (1882 – 1916), Carlo Carrá (1881 – 1966), Giacomo Balla (1871 – 1958), Luigi Russolo (1885- 1947) e Gino Severeni (1883 – 1950) e em abril de 1910 era lançado um manifesto da pintura futurista, seguido por um manifesto da escultura futurista em 1912 e um livro sobre seus objetivos em 1914 (Pinttura,Scultura Futurista, Milão) os dois últimos escritos por Boccione. O movimento, a velocidade, a vida moderna, a violência, as máquinas e a quebra com a arte do passado eram as principais metas do futurismo. Somente a forma e a cor não mais bastavam para representar o dinamismo moderno. “Deve ser feita uma limpeza radical em todos os temas gastos e mofados a fim de se expressar o vórtice da vida moderna – uma vida de aço, febre, orgulho e velocidade vertiginosa”, declaram no manifesto de 1910. Até 1912, as influências maiores na maneira como davam formas artísticas às suas idéias era a dos impressionistas e pós-impressionistas, artistas que já apresentavam certa preocupação em representar o dinamismo. Após 1912, uma exposição em Paris marca a hegemonia da influência cubista sobre a arte do grupo. Os artistas futuristas deparavam-se com o sério problema de representar a velocidade em objetos parados. As soluções normalmente foram a representação de seres humanos ou animais com múltiplos membros dispostos radialmente e em movimento triangular. Forças mecânicas ou físicas eram fontes temáticas bastante freqüentes, em especial nos primeiros trabalhos futuristas. “Automóvel e Ruído”, de Balla ou “O que o Bonde me contou”, de Carrá, são bons exemplos desses quadros. Talvez Boccioni, uma das principais forças do futurismo, tenha sido o artista mais bem-sucedido na representação da velocidade. “Formas Únicas de Continuidade no Espaço” transmite o efeito de projeção no espaço (diferenciando-se, de acordo com Herbert Read, em História da Pintura Moderna, do vigor dinâmico barroco, por não mais gravitar em torno de si). A Primeira Grande Guerra Mundial e a morte de Boccioni em 1916 (havia sido ferido no conflito) foram golpes decisivos no movimento futurista que acabou se dissolvendo. Entretanto, os futuristas deixaram contribuições importantes para a arte do século XX, seja no futurismo russo (composto por artistas como Malevitch) ou no dadaísmo. Também teve grande influência para artistas importantes como Marcel Duchamp e Delaunay em atentá-los para a representação do movimento que acabaria marcando os estilos característicos dos artistas. De qualquer forma, foram um dos pioneiros a chamar a atenção para a nova vida que se punha à frente do a essa nova vida (como as máquinas).

Autoria: Patrícia Abe

Arte Moderna

O desenvolvimento da tecnologia, passando da mecânica à eletrônica, o surgimento de transportes modernos (avião) e dos meios de comunicação de massa (rádio, cinema) transformam o mundo nas primeiras décadas do século. Nas artes plásticas, esse mundo novo se reflete no aparecimento de diversas correntes e estilos. A variedade e simultaneidade de propostas estéticas novas criam também a necessidade de grandes exposições periódicas como a Bienal de Veneza (criada em 1895) e, mais tarde, a Bienal de São Paulo (em 1951) e a Documenta de Kassel (em 1955).

Expressionismo

O primeiro movimento moderno começa na Alemanha, nos últimos anos do século XIX. Ganha mais consistência às vésperas da Primeira Guerra Mundial (1914-1918), expressando a angústia desse período. Forma-se a partir de dois grupos: Die Brücke (A ponte), de Dresden, e o Der Blaue Reiter (O cavaleiro azul), de Munique. Os integrantes do primeiro grupo (Otto Muller, Kirschner, Emi Nolde, entre outros) eram agressivos e politizados; já os Cavaleiros Azuis (Kandinsky entre eles) tinham uma visão espiritualizada do universo, manifestando-se sobretudo através da cor. Suas obras mostram figuras em sofrimento, numa dor que contamina toda a tela por meio do uso do mesmo ritmo de pinceladas na execução de cada parte.

Fauvismo

Sob influência da pintura de Paul Gauguin, o fauvismo (de fauve, fera, em francês) surge em Paris em 1905, com Henri Matisse, Maurice Vlaminck, Raoul Dufy e André Derain. Com cores vivas, muitas vezes saídas diretamente dos tubos de tinta, e composições frenéticas, a pintura fauvista exalta o instinto em lugar da razão.

Henri Matisse (1869-1954), pintor e escultor francês. Nasce em Nice, estuda direito em Paris e começa a pintar só por volta de 1890. Seus primeiros trabalhos retratam interiores e naturezas-mortas; depois é influenciado pelos pós-impressionistas e adota o fauvismo. Sua teoria artística se reflete no título de obras como Luxo, calma e voluptuosidade e Alegria de viver. O equilíbrio sereno entre forma e fundo evolui em seu contato com a arte decorativa do Oriente Médio, que o leva a trabalhar em recortes e colagens. De 1949 a 1951, trabalha na decoração da Capela de Vence, no sul da França, em que sua arte atinge extremo grau de simplicidade.

Primitivismo

Com desenho ingênuo, deformações de perspectiva, temas alegres ou exóticos e repletos de detalhes engenhosos, o primitivismo contesta as regras de composição clássicas. Seus melhores representantes trazem um vigor inédito na pintura. Pintores como o autodidata Henri Rousseau (A encantadora de serpentes) o adotam integralmente; outros, como Picasso, Miró e Matisse fazem uso de parte de sua estética.

Cubismo

Em 1907, o espanhol Pablo Picasso pinta Les demoiselles d’Avignon (As senhoritas de Avignon). Como a Olympia, pintada por Manet cerca de 50 anos antes, revoluciona sua época e expõe uma mescla de desejo e insolência quase hostil. Essa agressividade perturbadora é atingida por Picasso com o uso da técnica simultaneísta, base do cubismo.

Simultaneísmo – O rosto das figuras exibe ao mesmo tempo o perfil e a frente – como nas máscaras africanas em que Picasso se inspirou – e o olhar delas ganha poderes hipnóticos. Com a disposição das figuras em planos – influenciado por Paul Cézanne –, mostra mais de um ângulo de visão. É como num cubo, do qual, vendo-se uma única face, vê-se o todo. Além de Picasso, o francês Georges Braque e o espanhol Juan Gris praticam o cubismo. O estilo acaba por se diferenciar em duas vertentes: o cubismo analítico, que decupa a figura em diversas partes, e o sintético, que se divide da figuração imediata. Com o cubismo, inaugura-se também o uso da colagem (estampas e objetos são colados à tela em vez de copiados) e de referências à comunicação de massa (pedaços de jornais e fotos são agregados à tela).

Pablo Picasso (1881-1973), pintor e escultor espanhol. Nasce em Málaga, estuda em Barcelona, mas é em Paris que desenvolve sua carreira. Prodigioso desde menino, estuda os velhos mestres e se apaixona pela pintura de Cézanne. Por volta de 1906, conhece a arte primitiva e passa a experimentar novos conceitos de figuração e perspectiva. Em 1907, pinta Les demoiselles d’Avignon, marco artístico do século. Nessa tela, já começa a desenvolver o estilo que depois seria batizado de cubismo. Depois de uma fase clássica (1919-1925), abandona a sintaxe cubista e experimenta diversas técnicas, em obras de grande poder inventivo. Em 1937 pinta a célebre Guernica, retratando os horrores da Guerra Civil Espanhola.

Futurismo

Fundado em 1909 pelo poeta italiano Filippo Marinetti, o futurismo celebra os signos do novo mundo: a velocidade, a comunicação de massa, a industrialização. Sua idéia é a de que a arte deve lidar com a realidade contextual de maneira radical, recriando-a em termos formais. Se o mundo atual é dinâmico e imediatista, cabe à arte sê-lo também. Os italianos Umberto Boccioni e Giacomo Balla e o francês Fernand Léger fazem arte futurista. Mais tarde, suas inovações quanto ao dinamismo da obra de arte levam à criação da arte cinética de Naum Gabo, Anton Pevsner, Laszlo Moholy-Nagi e outros, que usam a sucessão de linhas e planos paralelos para dar a idéia de movimento.

Dadaísmo

O inconformismo de cubistas e futuristas diante de um mundo em que a máquina pode produzir a beleza e o artesanato quase não existe é radicalizado pelo dadaísmo. Fundado em Zurique, em 1915, pelo poeta Tristan Tzara, defende a idéia de que qualquer combinação inusitada promove o efeito estético. Como crítica ao encerramento da arte em museus e galerias, o francês Marcel Duchamp, em 1912, coloca uma roda de bicicleta sobre um banquinho de madeira, inventando o ready-made (arte que subverte a utilidade de materiais existentes). Outros artistas dadaístas são Max Ernst e Francis Picabia.

Marcel Duchamp (1887-1968), artista francês. Nasce em Paris. Sua obra inicial tem influência do cubismo, do futurismo e do surrealismo, mas abandona a pintura na década de 20. Em 1912, inventa o ready-made com Roda de bicicleta. Em 1917, manda um urinol invertido, batizado de Fonte, para uma exposição. Em seguida, se torna um dos líderes do movimento dadaísta. De 1946 a 1966 supostamente deixa a arte pelo xadrez, mas na verdade trabalha em Etant Donnés, uma obra tridimensional, com técnicas mistas, que é vista através de dois postigos num sobrado espanhol; a cena revelada é a de uma paisagem ensolarada, com cascata, e em primeiro plano uma mulher nua de pernas abertas.

Surrealismo

O surrealismo surge na França em 1924, liderado pelo poeta e crítico André Breton, sob influência das teorias de Sigmund Freud sobre o inconsciente e a sexualidade. Pintores como o espanhol Salvador Dalí, o russo Marc Chagall e os belgas René Magritte e Paul Delvaux buscam uma linguagem onírica, repleta de simbologia e da forma narrativa dos sonhos. Rompem o eixo tradicional do figurativismo: as figuras saem da vertical (um casal flutua), perdem a proporcionalidade (um homem pode ser maior que uma casa) e sofrem alterações inverossímeis (relógio derrete). Giorgio de Chirico, Carlo Carrà, Giorgio Morandi e Alberto Giacometti praticam o surrealismo na Itália; Yves Tanguy e Robert Delaunay, na França.

Abstracionismo

Em 1910, o pintor russo Vassily Kandinsky pinta a primeira obra abstrata – ou seja, em que não existe uma referência real, ou em que, se existe, essa referência é secundária. O que importa essencialmente são as formas e cores da composição. O abstracionismo pode ser dividido em informal ou geométrico. Alguns, como o holandês Piet Mondrian, o romeno Constantin Brancusi e o norte-americano Alexander Calder, não podem ser encaixados em nenhuma das duas vertentes, embora tendam mais para a segunda. Fazem um abstracionismo de princípios geométricos mas procuram sobretudo dar musicalidade às formas, que adquirem expressividade. Esta linha irá influenciar o minimalismo.

Abstracionismo informal – Defende as formas livres e busca o lirismo no ritmo estabelecido pelo jogo cromático e espacial. Kandinsky, Paul Klee, depois Nicholas de Staël e Richard Diebenkorn são alguns dos abstracionistas informais, que vão mais tarde influenciar o expressionismo abstrato.

Abstracionismo geométrico – As formas são obtidas mediante um sistema rigoroso – com base, por exemplo, em formas geométricas como quadrados, triângulos ou círculos – e não há a intenção de expressar algum sentimento ou idéia. Artistas como Kasimir Malevitch, os construtivistas russos (Rodchenko, Tatlin, Lissitsky) e os seguidores da escola alemã Bauhaus (os arquitetos Walter Gropius e Mies Van Der Rohe), que enfatiza a funcionalidade na nova arte, adotam os princípios desse abstracionismo, que mais tarde vai influenciar o concretismo.

Piet Mondrian (1872-1944), pintor holandês. Nasce e estuda pintura em Amsterdã. Pinta paisagens, passa ao cubismo e, a partir de 1912, abandona sua tendência expressiva e colorista. A relação de linhas e planos, como estruturação de áreas de cor, passa a ser sua única preocupação artística. Entre 1914 e 1917, faz a série Composições, em que abole a representação. A partir daí, aperfeiçoa crescentemente seu estilo: utiliza apenas cores primárias e quadriláteros. Em 1942 e 1943, faz a série Broadway Boogie-Woogie, em que dá ritmo e expressividade à sucessão de pequenos planos coloridos.

Expressionismo abstrato

Utilizando o nome inventado para descrever a obra de Kandinsky, o expressionismo abstrato predomina nos EUA, nos anos 40. Artistas como Jackson Pollock, Willem De Kooning e outros postulam uma pintura em que o essencial está na expressão da individualidade, da subjetividade do pintor. Para eles, essa manifestação só poderia ser exclusivamente individual se o autor o fizesse de maneira livre, gestual, sem projeto prévio. O francês Georges Mathieu (sob o nome de tachismo), o holandês Karel Appel e a portuguesa Maria Helena Vieira da Silva fazem o mesmo. Nos anos 60, essa abstração gestual dará lugar à color-field painting (pintura de campos de cor), praticada nos EUA por Kenneth Noland, Barnett Newman, Frank Stella, Mark Rothko e Morris Louis. A color-field painting usa áreas geométricas extensas e monocromáticas que convidam, pela própria vibração e harmonia entre si, à contemplação do observador.

Concretismo

Nos anos 50 surge o concretismo. A expressão “arte concreta” já havia sido criada pelo holandês Theo Van Doesburg, em 1930. O movimento concretista surge, em 1955, na Escola Superior da Forma, em Ulm (Alemanha), baseado na teoria elaborada pelo suíço Max Bill. Os concretistas rejeitam a abstração e a expressividade, seja a lírica de um Kandinsky ou Mondrian, seja a religiosa de um Malevitch ou Rothko. Sua ambição é liquidar a sintaxe tradicional, que faz distinções entre forma e conteúdo, entre figura e fundo, entre sujeito e objeto, e estabelecer uma nova linguagem, que para eles é o design. Mais tarde, nos anos 60, essas idéias vão fazer surgir a op art (arte óptica), que busca estimular o observador por meio de efeitos ópticos que fazem alternar e confundir forma e fundo, colocando em questão o senso de profundidade.

Referências bibliográficas

ANDRADE, Mário de. Aspectos das artes plásticas no Brasil. São Paulo: Martins, 1965.

SOUZA, Alcídio Mafra de. Artes plásticas na escola. 5.ed. Rio de Janeiro: Bloch, 1974.

SANTOS, João Carlos Lopes dos. O manual do mercado de arte: uma visão profissional das artes plásticas e seus fundamentos práticos. São Paulo: Julio Louzada, 1999

PIJOAN, Jose. História da arte. (Rio de Janeiro): Salvat, c1978.

CAVALCANTI, Carlos. História das artes: curso elementar. 2.ed. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1968.

BARRAL I ALTET, Xavier. História da arte. Campinas, SP: Papirus, 1990.

Artes Plásticas no Brasil

A arte praticada no Brasil tem suas origens no período anterior ao descobrimento, com a delicada e multicolorida arte indígena: adornos feitos com plumas de pássaros, pintura corporal e cerâmica de ricos motivos geométricos. A chegada dos portugueses e da catequese jesuítica favorece o contato com a arte barroca européia. Mais tarde, a Missão Artística Francesa traz influências do neoclassicismo, que ainda está presente na produção acadêmica nacional até 1920, quando na Europa já se anunciava o cubismo e a arte concreta. Dessa forma o país permanece durante muito tempo atrasado em relação à evolução artística internacional. Essa defasagem só começa a diminuir na época Contemporânea. Acontecimentos como a Semana de Arte Moderna de 1922 e a 1ª Bienal de São Paulo, em 1951, têm papel importante no acerto de passo com o exterior.

Outras Paginas.

“

·                    Arte colonial

·                    Neoclassicismo

·                    Academicismo

·                    Arte Moderna

·                    Arte Contemporânea

Referências bibliográficas

·                    ANDRADE, Mário de. Aspectos das artes plásticas no Brasil. São Paulo: Martins, 1965.

·                    SOUZA, Alcídio Mafra de. Artes plásticas na escola. 5.ed. Rio de Janeiro: Bloch, 1974.

·                    SANTOS, João Carlos Lopes dos. O manual do mercado de arte: uma visão profissional das artes plásticas e seus fundamentos práticos. São Paulo: Julio Louzada, 1999

·                    PIJOAN, Jose. História da arte. (Rio de Janeiro): Salvat, c1978.

·                    CAVALCANTI, Carlos. História das artes: curso elementar. 2.ed. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1968.

·                    BARRAL I ALTET, Xavier. História da arte. Campinas, SP: Papirus, 1990

Arte Colonial

Artesãos como o tirolês Johann Traer, influenciado pelo barroco europeu, fazem objetos e móveis sacros, em Belém (PA). A pintura jesuítica se inicia em 1587, com a chegada do frei Belchior Paulo, seguido depois por pintores jesuítas ou beneditinos encarregados de adornar as igrejas: Domingos da Conceição, Agostinho da Piedade e Agostinho de Jesus.

Holandeses – Com a invasão holandesa em 1637, chegam ao Recife pintores como Frans Post e Albert Eckhout, que influenciam artistas brasileiros como João dos Santos Simões. Com a intenção de documentar a fauna e a flora e as paisagens brasileiras, Eckhout e sobretudo Post realizam um trabalho de alta qualidade artística. Post, em suas paisagens, mostra senso de composição aprimorado ao captar a horizontalidade do relevo litorâneo brasileiro.

Frans Post (1612?-1680?), pintor holandês. Vem ao Brasil durante a dominação de Mauricio de Nassau, em Pernambuco. Permanece de 1637 a 1644, documentando paisagens e espécimes naturais do país. Esse período é a melhor fase de sua carreira. Influencia diversas gerações de paisagistas brasileiros.

Barroco

O barroco brasileiro se desenvolve principalmente em Minas Gerais, devido ao ciclo do ouro no século XVIII. O pintor Manuel da Costa Ataíde (A última ceia) e o escultor e arquiteto Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho, são os principais nomes. Usando materiais tipicamente brasileiros (madeira, pedra-sabão), fundam uma arte nacional. No Rio de Janeiro destaca-se o pintor Caetano da Costa e o entalhador Mestre Valentim, que cria o conceito de planejamento paisagístico em locais como o Passeio Público; na Bahia, Joaquim José da Rocha e, em São Paulo, padre Jesuíno do Monte Carmelo são grandes artistas do período.

Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho (1730-1814) nasce em Vila Rica (atual Ouro Preto), filho de um entalhador português e de uma escrava. Inicia seu trabalho como escultor e entalhador ainda criança, seguindo os passos do pai. Aos 40 anos, contrai uma doença que progressivamente lhe retira os movimentos das pernas e mãos. Entre 1796 e 1799 realiza o conjunto do santuário de Bom Jesus de Matozinhos, em Congonhas do Campo, com 66 imagens esculpidas em madeira e os 12 majestosos profetas em pedra-sabão.

Neoclassicismo

Em 1816, desembarca no Brasil a Missão Francesa, contratada para fundar e dirigir no Rio de Janeiro uma Escola de Artes e Ofícios. Nela está, entre outros, o pintor Jean-Baptiste Debret, que retrata com charme e humor costumes e personagens da época. Em 1826 é fundada a Academia Imperial de Belas-Artes, futura Academia Nacional, que adota o gosto neoclássico europeu e atrai outros pintores estrangeiros de porte, como Auguste Marie Taunay e Johann Moritz Rugendas. Pintores brasileiros desse período são Manuel de Araújo Porto-Alegre e Rafael Mendes Carvalho, entre outros.

Jean-Baptiste Debret (1768-1848), pintor francês, desembarca no Brasil com a Missão Francesa, em 1816. Fica no Rio de Janeiro durante 15 anos. Pinta retratos da família real, quadros históricos e gravuras que retratam os costumes e figuras do Rio da época de dom João VI.

Academicismo

De 1850 a 1920, predominam as manifestações artísticas centradas na Academia Imperial de Belas-Artes do Rio de Janeiro, com influências do neoclassicismo, romantismo e impressionismo. Uma primeira geração importante, marcada pela estética romântica, traz pintores como Rodolfo Amoedo, Henrique Bernardelli, Vítor Meireles, Almeida Júnior e Pedro Américo, voltados a temas históricos ou mitológicos. A segunda geração é a de Elyseu Visconti, Belmiro de Almeida, Alfredo Andersen e Benedito Calixto, que ensaiam o abandono do academicismo convencional, aventurando-se, com destaque para Visconti e Belmiro, no impressionismo.

Elyseu Visconti (1867-1944), pintor brasileiro de origem italiana que marca a pintura nacional do século XIX. Estuda na Europa, onde é influenciado pela art nouveau. Quando volta ao Brasil, expõe óleos, pastéis, desenhos e trabalhos de arte decorativa. Em 1900, conquista a medalha de prata da Exposição Universal de Paris. Sua obra, de colorido rico e contornos mal definidos, faz um impressionismo à brasileira.

Arte Moderna

O movimento modernista começa em São Paulo, com a Semana de Arte Moderna de 1922: série de eventos (discursos, leituras de poemas, exposições, concertos) no Teatro Municipal.

Geração de 22

A hegemonia do academicismo começa a ceder em 1913, com a exposição do lituano Lasar Segall em São

 Paulo, com uma pintura que converge para o expressionismo e cubismo . Em 1917, Anita Malfatti, retornando de viagem aos EUA, organiza uma exposição que desencadeia transformações radicais. Sua pintura, que também traz influências do cubismo e expressionismo, provoca reações iradas, como a do escritor Monteiro Lobato, que escreve em O Estado de S.Paulo o artigo Paranóia ou mistificação?

Semana de Arte Moderna – Entre 11 e 16 de fevereiro de 1922, também na capital paulista, realiza-se a Semana de Arte Moderna, com obras de Segall e Malfatti e mais as esculturas de Victor Brecheret, que havia chegado da Itália, onde estudara a arte de Auguste Rodin, as gravuras expressionistas de Osvaldo Goeldi e as pinturas de Tarsila do Amaral, que dava feição tropical ao futurismo europeu, Vicente do Rego Monteiro e Emiliano Di Cavalcanti. Outros artistas modernistas são Cícero Dias, primeiro muralista abstrato sul-americano, o cubista Antônio Gomide, o surrealista Ismael Nery e Alberto da Veiga Guignard, que reinventa a pintura paisagística brasileira. Em 1927, o arquiteto Grigori Warchavchik, russo naturalizado, constrói em São Paulo a primeira casa modernista do país, com linhas geométricas e nenhum ornamento.

Lasar Segall (1890-1957) nasce na Lituânia, muda-se para a Alemanha, onde cursa a Academia de Belas Artes de Berlim. Um movimento de vanguarda (Freie Sezession) o obriga a desligar-se da Academia. Em 1912 embarca para o Brasil e no ano seguinte faz a primeira exposição expressionista do país. Volta ainda à Europa – é preso durante a 1ª Guerra – antes de instalar-se definitivamente em São Paulo. De natureza dramática, sua pintura ganha cores tropicais a partir de seu contato com a realidade brasileira.

Anita Malfatti (1896-1964), pintora brasileira, vai ainda jovem estudar pintura na Alemanha. Recebe influência não só do expressionismo germânico, mas também da arte de Paul Cézanne e do cubismo francês. Realiza, em 1914, sua primeira exposição individual no Brasil. Viaja no ano seguinte aos EUA, onde permanece até 1917. Quando retorna, expõe suas obras em São Paulo (O japonês, A estudante russa e O homem amarelo, entre outras), provocando grande polêmica e lançando as bases da Semana de Arte Moderna de 1922.

Vitor Brecheret (1890-1955) nasce na Itália e vem criança para o Brasil. Entre 1913 e 1919 estuda arte em Roma. Influenciado pelo estilo de Rodin, Milosevic e Moore, funda o modernismo escultórico brasileiro, expondo vinte esculturas na Semana de Arte Moderna. No ano seguinte, realiza o projeto do Monumento às bandeiras, encomendado pelo governo de São Paulo. Na última década de vida funde a arte indígena brasileira e o abstracionismo de escultores como Brancusi. Outras obras: Ídolo (1921), Depois do banho (1945) e a série Pedras.

Tarsila do Amaral (1890-1973) nasce em Capivari (SP). Em 1917 começa a estudar pintura com Pedro Alexandrino. Na França toma contato com Fernand Léger e participa do Salão dos Artistas Franceses. Integra-se, em 1922, ao movimento modernista brasileiro. Em 1926, casa-se com Oswald de Andrade e realiza sua primeira exposição individual em Paris. A partir de sua obra Abaporu, nasce o Movimento Antropofágico . Desenvolve, a partir de 1933, uma pintura mais ligada a temas sociais, como em Operários e Segunda classe.

Geração de 1930 – 1945

Depois de uma primeira década de modernismo radical, a arte brasileira volta um pouco à temática social e a um estilo mais convencional. São desse período as telas e murais de Cândido Portinari, que lança mão de sintaxe ligeiramente cubista em obras de forte cunho social. O nacionalismo está presente na obra de Tomás Santa Rosa, que também foi grande cenógrafo do teatro brasileiro, e de Orlando Teruz.

Cândido Torquato Portinari (1903-1962) nasce em Brodósqui (SP). Ainda jovem muda-se para o Rio de Janeiro, onde freqüenta um curso livre de pintura. Seu primeiro quadro, Baile na roça, é de 1922. Em 1928, ganha medalha de bronze no Salão Nacional de Belas Artes. Influenciado pelo movimento muralista mexicano, pinta vários murais famosos: Primeira missa no Brasil (Banco Boa Vista, RJ), Tiradentes (Colégio Cataguases, MG). Obtém reconhecimento internacional com a compra de seu quadro O morro pelo Museu de Arte Moderna de Nova York. Outras obras: o painel Guerra e paz, na sede da ONU, em Nova York, a série Emigrantes (Museu de Arte de São Paulo).

Núcleo Bernardelli – Liderado por Edson Motta, forma-se no Rio de Janeiro, em 1931, um grupo que luta pela democratização da Escola de Belas Artes. Seus trabalhos retratam os subúrbios do Rio, com destaque para as marinhas suaves de José Pancetti e o cubismo lírico de Milton Dacosta.

Grupo Santa Helena – Outro grupo, que se forma em torno do ateliê de Francisco Rebolo, se dedica a uma pintura mais tradicional, retratando paisagens simples, casario proletário, festas e quermesses. Inclui Clóvis Graciano, Aldo Bonadei, Bruno Giorgi, Fúlvio Pennachi, Mário Zanini, Carlos Scliar e Alfredo Volpi.

Alfredo Volpi (1898-1988) nasce em Luca, Itália. É trazido aos 2 anos para São Paulo. Começa como pintor figurativo, participante do Grupo de Santa Helena. Depois é influenciado pelo muralismo mexicano. Enfim, atinge a maturidade de sua arte nos anos 50, com o abstracionismo geométrico de mastros e bandeirinhas de festas juninas, pretexto para delicadas composições de cores e linhas.

Nos anos 40, o convencionalismo começa a ser abandonado. O arquiteto Oscar Niemeyer projeta o conjunto arquitetônico da Pampulha, em Belo Horizonte, decorado com murais e telas de Portinari. Roberto Burle Marx faz o projeto paisagístico ao redor da igreja. Artistas como Mário Cravo e Carybé (Bahia), Aldemir Martins (Ceará) e Poty (Paraná) levam o modernismo para fora do Sudeste. Em todas as modalidades das artes plásticas há renovação: na escultura, Bruno Giorgi e Alfredo Ceschiatti; na gravura, Marcelo Grassmann, Lívio Abramo e Darel Valença Lins; na decoração de interiores, os móveis de Joaquim Tenreiro e os tapetes de Madeleine Colaço e da dupla Jacques Douchez/Norberto Nicola.

Museu de Arte de São Paulo – Em São Paulo, o empresário e jornalista Assis Chateaubriand funda o Masp, em 1947, com um acervo de pintura européia que abrange desde os primitivos italianos dos séculos XIV e XV até mestres do impressionismo francês. O acervo, o maior da América Latina, é formado pelo crítico e historiador italiano Pietro Maria Bardi, que se muda para o Brasil com a mulher, a arquiteta Lina Bo Bardi, autora da sede própria do Masp, erguida em 1967, na avenida Paulista.

Abstracionismo

Nos anos 50, o abstracionismo é introduzido no Brasil e inicia o avanço rumo à arte contemporânea. O curso de gravação de Iberê Camargo forma toda uma geração de gravuristas abstratos: Antoni Babinski, Maria Bonomi, Mário Gruber e outros. Outros impulsos vêm da fundação do Museu de Arte Moderna de São Paulo (1948) e do Rio de Janeiro (1949) e a criação da Bienal Internacional de São Paulo (1951). São pioneiros do abstracionismo no Brasil Antônio Bandeira, Cícero Dias e Sheila Brannigan. Como eles, vão depois praticar abstracionismo informal artistas como Manabu Mabe, Yolanda Mohályi, Flávio Shiró, Wega Nery e outros, além de Iberê. O abstracionismo mais geométrico encontra praticantes em Tomie Ohtake, Fayga Ostrower, Arcangelo Ianelli e Samson Flexor, fundador do ateliê Abstração, em São Paulo.

Bienal Internacional de São Paulo – Criada em 1951, pela iniciativa do industrial Francisco Matarazzo Sobrinho, a exposição coloca o país em sintonia com a arte internacional. A segunda Bienal traz obras do cubismo francês, futurismo italiano, construtivistas da Suíça, Alemanha, Holanda e Argentina, abstratos franceses e norte-americanos, além da consagrada Guernica, de Pablo Picasso.

Iberê Camargo (1914-1994) nasce em Restinga Seca (RS). Ainda jovem, parte para o Rio de Janeiro, onde inicia estudos e participa de exposições. Depois de alguns anos na Europa, onde estuda com André Lhote, volta ao Rio e desenvolve uma pintura de forte carga gestual, à maneira do expressionismo abstrato. Nos anos 70, começa a redescobrir figuras como as dos carretéis. Em 1980, atira num homem durante uma briga na rua e o mata. É absolvido em janeiro de 1981. No ano seguinte volta para o Rio Grande do Sul e sua pintura redescobre então a figura humana, na série Fantasmagoria.

Concretismo

Trabalhos do suíço Max Bill – que depois fundaria o concretismo na Europa – são expostos na 1ª Bienal de São Paulo e o movimento concretista ganha força no Brasil. Em 1956 é lançado o Plano Piloto da Poesia Concreta, em São Paulo, e sua repercussão vai além da poesia. O processo criador da arte concreta vai da imagem-idéia à imagem-objeto e pode resultar em um desenho, um quadro ou um edifício. Nas artes plásticas, os primeiros a aderir são Waldemar Cordeiro e Ivan Serpa. Outros que participam são Geraldo de Barros e Antônio Lizárraga.

Referências bibliográficas

·                    ANDRADE, Mário de. Aspectos das artes plásticas no Brasil. São Paulo: Martins, 1965.

·                    SOUZA, Alcídio Mafra de. Artes plásticas na escola. 5.ed. Rio de Janeiro: Bloch, 1974.

·                    SANTOS, João Carlos Lopes dos. O manual do mercado de arte: uma visão profissional das artes plásticas e seus fundamentos práticos. São Paulo: Julio Louzada, 1999

·                    PIJOAN, Jose. História da arte. (Rio de Janeiro): Salvat, c1978.

·                    CAVALCANTI, Carlos. História das artes: curso elementar. 2.ed. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1968.

·                    BARRAL I ALTET, Xavier. História da arte. Campinas

Artes Plásticas no Brasil

A arte praticada no Brasil tem suas origens no período anterior ao descobrimento, com a delicada e multicolorida arte indígena: adornos feitos com plumas de pássaros, pintura corporal e cerâmica de ricos motivos geométricos. A chegada dos portugueses e da catequese jesuítica favorece o contato com a arte barroca européia. Mais tarde, a Missão Artística Francesa traz influências do neoclassicismo, que ainda está presente na produção acadêmica nacional até 1920, quando na Europa já se anunciava o cubismo e a arte concreta. Dessa forma o país permanece durante muito tempo atrasado em relação à evolução artística internacional. Essa defasagem só começa a diminuir na época Contemporânea. Acontecimentos como a Semana de Arte Moderna de 1922 e a 1ª Bienal de São Paulo, em 1951, têm papel importante no acerto de passo com o exterior.

Outras Paginas.

“

·                    Arte colonial

·                    Neoclassicismo

·                    Academicismo

·                    Arte Moderna

·                    Arte Contemporânea

Referências bibliográficas

·                    ANDRADE, Mário de. Aspectos das artes plásticas no Brasil. São Paulo: Martins, 1965.

·                    SOUZA, Alcídio Mafra de. Artes plásticas na escola. 5.ed. Rio de Janeiro: Bloch, 1974.

·                    SANTOS, João Carlos Lopes dos. O manual do mercado de arte: uma visão profissional das artes plásticas e seus fundamentos práticos. São Paulo: Julio Louzada, 1999

·                    PIJOAN, Jose. História da arte. (Rio de Janeiro): Salvat, c1978.

·                    CAVALCANTI, Carlos. História das artes: curso elementar. 2.ed. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1968.

·                    BARRAL I ALTET, Xavier. História da arte. Campinas, SP: Papirus, 1990

Arte Colonial

Artesãos como o tirolês Johann Traer, influenciado pelo barroco europeu, fazem objetos e móveis sacros, em Belém (PA). A pintura jesuítica se inicia em 1587, com a chegada do frei Belchior Paulo, seguido depois por pintores jesuítas ou beneditinos encarregados de adornar as igrejas: Domingos da Conceição, Agostinho da Piedade e Agostinho de Jesus.

Holandeses – Com a invasão holandesa em 1637, chegam ao Recife pintores como Frans Post e Albert Eckhout, que influenciam artistas brasileiros como João dos Santos Simões. Com a intenção de documentar a fauna e a flora e as paisagens brasileiras, Eckhout e sobretudo Post realizam um trabalho de alta qualidade artística. Post, em suas paisagens, mostra senso de composição aprimorado ao captar a horizontalidade do relevo litorâneo brasileiro.

Frans Post (1612?-1680?), pintor holandês. Vem ao Brasil durante a dominação de Mauricio de Nassau, em Pernambuco. Permanece de 1637 a 1644, documentando paisagens e espécimes naturais do país. Esse período é a melhor fase de sua carreira. Influencia diversas gerações de paisagistas brasileiros.

Barroco

O barroco brasileiro se desenvolve principalmente em Minas Gerais, devido ao ciclo do ouro no século XVIII. O pintor Manuel da Costa Ataíde (A última ceia) e o escultor e arquiteto Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho, são os principais nomes. Usando materiais tipicamente brasileiros (madeira, pedra-sabão), fundam uma arte nacional. No Rio de Janeiro destaca-se o pintor Caetano da Costa e o entalhador Mestre Valentim, que cria o conceito de planejamento paisagístico em locais como o Passeio Público; na Bahia, Joaquim José da Rocha e, em São Paulo, padre Jesuíno do Monte Carmelo são grandes artistas do período.

Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho (1730-1814) nasce em Vila Rica (atual Ouro Preto), filho de um entalhador português e de uma escrava. Inicia seu trabalho como escultor e entalhador ainda criança, seguindo os passos do pai. Aos 40 anos, contrai uma doença que progressivamente lhe retira os movimentos das pernas e mãos. Entre 1796 e 1799 realiza o conjunto do santuário de Bom Jesus de Matozinhos, em Congonhas do Campo, com 66 imagens esculpidas em madeira e os 12 majestosos profetas em pedra-sabão.

Neoclassicismo

Em 1816, desembarca no Brasil a Missão Francesa, contratada para fundar e dirigir no Rio de Janeiro uma Escola de Artes e Ofícios. Nela está, entre outros, o pintor Jean-Baptiste Debret, que retrata com charme e humor costumes e personagens da época. Em 1826 é fundada a Academia Imperial de Belas-Artes, futura Academia Nacional, que adota o gosto neoclássico europeu e atrai outros pintores estrangeiros de porte, como Auguste Marie Taunay e Johann Moritz Rugendas. Pintores brasileiros desse período são Manuel de Araújo Porto-Alegre e Rafael Mendes Carvalho, entre outros.

Jean-Baptiste Debret (1768-1848), pintor francês, desembarca no Brasil com a Missão Francesa, em 1816. Fica no Rio de Janeiro durante 15 anos. Pinta retratos da família real, quadros históricos e gravuras que retratam os costumes e figuras do Rio da época de dom João VI.

Academicismo

De 1850 a 1920, predominam as manifestações artísticas centradas na Academia Imperial de Belas-Artes do Rio de Janeiro, com influências do neoclassicismo, romantismo e impressionismo. Uma primeira geração importante, marcada pela estética romântica, traz pintores como Rodolfo Amoedo, Henrique Bernardelli, Vítor Meireles, Almeida Júnior e Pedro Américo, voltados a temas históricos ou mitológicos. A segunda geração é a de Elyseu Visconti, Belmiro de Almeida, Alfredo Andersen e Benedito Calixto, que ensaiam o abandono do academicismo convencional, aventurando-se, com destaque para Visconti e Belmiro, no impressionismo.

Elyseu Visconti (1867-1944), pintor brasileiro de origem italiana que marca a pintura nacional do século XIX. Estuda na Europa, onde é influenciado pela art nouveau. Quando volta ao Brasil, expõe óleos, pastéis, desenhos e trabalhos de arte decorativa. Em 1900, conquista a medalha de prata da Exposição Universal de Paris. Sua obra, de colorido rico e contornos mal definidos, faz um impressionismo à brasileira.

Arte Moderna

O movimento modernista começa em São Paulo, com a Semana de Arte Moderna de 1922: série de eventos (discursos, leituras de poemas, exposições, concertos) no Teatro Municipal.

Geração de 22

A hegemonia do academicismo começa a ceder em 1913, com a exposição do lituano Lasar Segall em São

 Paulo, com uma pintura que converge para o expressionismo e cubismo . Em 1917, Anita Malfatti, retornando de viagem aos EUA, organiza uma exposição que desencadeia transformações radicais. Sua pintura, que também traz influências do cubismo e expressionismo, provoca reações iradas, como a do escritor Monteiro Lobato, que escreve em O Estado de S.Paulo o artigo Paranóia ou mistificação?

Semana de Arte Moderna – Entre 11 e 16 de fevereiro de 1922, também na capital paulista, realiza-se a Semana de Arte Moderna, com obras de Segall e Malfatti e mais as esculturas de Victor Brecheret, que havia chegado da Itália, onde estudara a arte de Auguste Rodin, as gravuras expressionistas de Osvaldo Goeldi e as pinturas de Tarsila do Amaral, que dava feição tropical ao futurismo europeu, Vicente do Rego Monteiro e Emiliano Di Cavalcanti. Outros artistas modernistas são Cícero Dias, primeiro muralista abstrato sul-americano, o cubista Antônio Gomide, o surrealista Ismael Nery e Alberto da Veiga Guignard, que reinventa a pintura paisagística brasileira. Em 1927, o arquiteto Grigori Warchavchik, russo naturalizado, constrói em São Paulo a primeira casa modernista do país, com linhas geométricas e nenhum ornamento.

Lasar Segall (1890-1957) nasce na Lituânia, muda-se para a Alemanha, onde cursa a Academia de Belas Artes de Berlim. Um movimento de vanguarda (Freie Sezession) o obriga a desligar-se da Academia. Em 1912 embarca para o Brasil e no ano seguinte faz a primeira exposição expressionista do país. Volta ainda à Europa – é preso durante a 1ª Guerra – antes de instalar-se definitivamente em São Paulo. De natureza dramática, sua pintura ganha cores tropicais a partir de seu contato com a realidade brasileira.

Anita Malfatti (1896-1964), pintora brasileira, vai ainda jovem estudar pintura na Alemanha. Recebe influência não só do expressionismo germânico, mas também da arte de Paul Cézanne e do cubismo francês. Realiza, em 1914, sua primeira exposição individual no Brasil. Viaja no ano seguinte aos EUA, onde permanece até 1917. Quando retorna, expõe suas obras em São Paulo (O japonês, A estudante russa e O homem amarelo, entre outras), provocando grande polêmica e lançando as bases da Semana de Arte Moderna de 1922.

Vitor Brecheret (1890-1955) nasce na Itália e vem criança para o Brasil. Entre 1913 e 1919 estuda arte em Roma. Influenciado pelo estilo de Rodin, Milosevic e Moore, funda o modernismo escultórico brasileiro, expondo vinte esculturas na Semana de Arte Moderna. No ano seguinte, realiza o projeto do Monumento às bandeiras, encomendado pelo governo de São Paulo. Na última década de vida funde a arte indígena brasileira e o abstracionismo de escultores como Brancusi. Outras obras: Ídolo (1921), Depois do banho (1945) e a série Pedras.

Tarsila do Amaral (1890-1973) nasce em Capivari (SP). Em 1917 começa a estudar pintura com Pedro Alexandrino. Na França toma contato com Fernand Léger e participa do Salão dos Artistas Franceses. Integra-se, em 1922, ao movimento modernista brasileiro. Em 1926, casa-se com Oswald de Andrade e realiza sua primeira exposição individual em Paris. A partir de sua obra Abaporu, nasce o Movimento Antropofágico . Desenvolve, a partir de 1933, uma pintura mais ligada a temas sociais, como em Operários e Segunda classe.

Geração de 1930 – 1945

Depois de uma primeira década de modernismo radical, a arte brasileira volta um pouco à temática social e a um estilo mais convencional. São desse período as telas e murais de Cândido Portinari, que lança mão de sintaxe ligeiramente cubista em obras de forte cunho social. O nacionalismo está presente na obra de Tomás Santa Rosa, que também foi grande cenógrafo do teatro brasileiro, e de Orlando Teruz.

Cândido Torquato Portinari (1903-1962) nasce em Brodósqui (SP). Ainda jovem muda-se para o Rio de Janeiro, onde freqüenta um curso livre de pintura. Seu primeiro quadro, Baile na roça, é de 1922. Em 1928, ganha medalha de bronze no Salão Nacional de Belas Artes. Influenciado pelo movimento muralista mexicano, pinta vários murais famosos: Primeira missa no Brasil (Banco Boa Vista, RJ), Tiradentes (Colégio Cataguases, MG). Obtém reconhecimento internacional com a compra de seu quadro O morro pelo Museu de Arte Moderna de Nova York. Outras obras: o painel Guerra e paz, na sede da ONU, em Nova York, a série Emigrantes (Museu de Arte de São Paulo).

Núcleo Bernardelli – Liderado por Edson Motta, forma-se no Rio de Janeiro, em 1931, um grupo que luta pela democratização da Escola de Belas Artes. Seus trabalhos retratam os subúrbios do Rio, com destaque para as marinhas suaves de José Pancetti e o cubismo lírico de Milton Dacosta.

Grupo Santa Helena – Outro grupo, que se forma em torno do ateliê de Francisco Rebolo, se dedica a uma pintura mais tradicional, retratando paisagens simples, casario proletário, festas e quermesses. Inclui Clóvis Graciano, Aldo Bonadei, Bruno Giorgi, Fúlvio Pennachi, Mário Zanini, Carlos Scliar e Alfredo Volpi.

Alfredo Volpi (1898-1988) nasce em Luca, Itália. É trazido aos 2 anos para São Paulo. Começa como pintor figurativo, participante do Grupo de Santa Helena. Depois é influenciado pelo muralismo mexicano. Enfim, atinge a maturidade de sua arte nos anos 50, com o abstracionismo geométrico de mastros e bandeirinhas de festas juninas, pretexto para delicadas composições de cores e linhas.

Nos anos 40, o convencionalismo começa a ser abandonado. O arquiteto Oscar Niemeyer projeta o conjunto arquitetônico da Pampulha, em Belo Horizonte, decorado com murais e telas de Portinari. Roberto Burle Marx faz o projeto paisagístico ao redor da igreja. Artistas como Mário Cravo e Carybé (Bahia), Aldemir Martins (Ceará) e Poty (Paraná) levam o modernismo para fora do Sudeste. Em todas as modalidades das artes plásticas há renovação: na escultura, Bruno Giorgi e Alfredo Ceschiatti; na gravura, Marcelo Grassmann, Lívio Abramo e Darel Valença Lins; na decoração de interiores, os móveis de Joaquim Tenreiro e os tapetes de Madeleine Colaço e da dupla Jacques Douchez/Norberto Nicola.

Museu de Arte de São Paulo – Em São Paulo, o empresário e jornalista Assis Chateaubriand funda o Masp, em 1947, com um acervo de pintura européia que abrange desde os primitivos italianos dos séculos XIV e XV até mestres do impressionismo francês. O acervo, o maior da América Latina, é formado pelo crítico e historiador italiano Pietro Maria Bardi, que se muda para o Brasil com a mulher, a arquiteta Lina Bo Bardi, autora da sede própria do Masp, erguida em 1967, na avenida Paulista.

Abstracionismo

Nos anos 50, o abstracionismo é introduzido no Brasil e inicia o avanço rumo à arte contemporânea. O curso de gravação de Iberê Camargo forma toda uma geração de gravuristas abstratos: Antoni Babinski, Maria Bonomi, Mário Gruber e outros. Outros impulsos vêm da fundação do Museu de Arte Moderna de São Paulo (1948) e do Rio de Janeiro (1949) e a criação da Bienal Internacional de São Paulo (1951). São pioneiros do abstracionismo no Brasil Antônio Bandeira, Cícero Dias e Sheila Brannigan. Como eles, vão depois praticar abstracionismo informal artistas como Manabu Mabe, Yolanda Mohályi, Flávio Shiró, Wega Nery e outros, além de Iberê. O abstracionismo mais geométrico encontra praticantes em Tomie Ohtake, Fayga Ostrower, Arcangelo Ianelli e Samson Flexor, fundador do ateliê Abstração, em São Paulo.

Bienal Internacional de São Paulo – Criada em 1951, pela iniciativa do industrial Francisco Matarazzo Sobrinho, a exposição coloca o país em sintonia com a arte internacional. A segunda Bienal traz obras do cubismo francês, futurismo italiano, construtivistas da Suíça, Alemanha, Holanda e Argentina, abstratos franceses e norte-americanos, além da consagrada Guernica, de Pablo Picasso.

Iberê Camargo (1914-1994) nasce em Restinga Seca (RS). Ainda jovem, parte para o Rio de Janeiro, onde inicia estudos e participa de exposições. Depois de alguns anos na Europa, onde estuda com André Lhote, volta ao Rio e desenvolve uma pintura de forte carga gestual, à maneira do expressionismo abstrato. Nos anos 70, começa a redescobrir figuras como as dos carretéis. Em 1980, atira num homem durante uma briga na rua e o mata. É absolvido em janeiro de 1981. No ano seguinte volta para o Rio Grande do Sul e sua pintura redescobre então a figura humana, na série Fantasmagoria.

Concretismo

Trabalhos do suíço Max Bill – que depois fundaria o concretismo na Europa – são expostos na 1ª Bienal de São Paulo e o movimento concretista ganha força no Brasil. Em 1956 é lançado o Plano Piloto da Poesia Concreta, em São Paulo, e sua repercussão vai além da poesia. O processo criador da arte concreta vai da imagem-idéia à imagem-objeto e pode resultar em um desenho, um quadro ou um edifício. Nas artes plásticas, os primeiros a aderir são Waldemar Cordeiro e Ivan Serpa. Outros que participam são Geraldo de Barros e Antônio Lizárraga.

Referências bibliográficas

·                    ANDRADE, Mário de. Aspectos das artes plásticas no Brasil. São Paulo: Martins, 1965.

·                    SOUZA, Alcídio Mafra de. Artes plásticas na escola. 5.ed. Rio de Janeiro: Bloch, 1974.

·                    SANTOS, João Carlos Lopes dos. O manual do mercado de arte: uma visão profissional das artes plásticas e seus fundamentos práticos. São Paulo: Julio Louzada, 1999

·                    PIJOAN, Jose. História da arte. (Rio de Janeiro): Salvat, c1978.

·                    CAVALCANTI, Carlos. História das artes: curso elementar. 2.ed. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1968.

·                    BARRAL I ALTET, Xavier. História da arte. Campinas